Cuando hay poco -espacio, presupuesto, materiales o incluso tiempo- la limitación funciona mucho mejor que el voluntarismo que supondría una multiplicación. Por supuesto, apostar todo a una carta requiere audacia y reflexión.
La galerista brasileña Ana Araujo estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres. Pero cuando quiso abrir su galería F&deO en Madrid, dedicada a investigar la huella de los creadores en el arte, buscó un diseñador: necesitaba trabajar lo menos posible, concentrando la intervención en un recurso espacial. Araujo conocía el trabajo de Isabel López Vilalta y sus socios en Madrid (The American School, Restaurante Filandón, El Pescador o El Celler de Can Roca) y contactó con ella para diseñar su negocio.
La importancia de envolver en color por simplicidad fue una decisión temprana. Sin embargo, en los primeros bocetos, los diseñadores propusieron el color rosa-maquillaje como único tono para una galería dedicada a investigar el arte desde un punto de vista femenino. También propusieron un rosa pálido para la fachada, pero finalmente abandonaron la idea como actual. La galería no busca tanto mostrar el trabajo de los artistas como desafiar los paradigmas tradicionales que han limitado nuestra forma de ver el mundo. Por eso, era fundamental huir de los clichés. Eligieron crear misterio. Por lo tanto, el negro actúa como un subrayado. Más que un velo o un envoltorio, resalta el interior blanco, lo envuelve, lo enmarca.
Araujo aplaudió la idea de trabajar «dos colores intelectuales» en sus palabras. Y López trabajó con lo poco que le dio profundidad. Ninguno de los tonos se aplicó en su estado puro. El negro tiene matices azules para la profundidad y el blanco tiene matices grises para una mayor textura. El negro de la fachada, los toldos y la zona de las ventanas tiene la fuerza brillante del esmalte. El blanco en los pisos y paredes tapizados es más táctil. El suelo y las paredes están revestidos con un material textil técnico e ignífugo, este revestimiento suave y poroso ayuda a acomodar las obras de arte suspendidas en el espacio. Al mismo tiempo, provoca una buena absorción acústica para que una habitación pequeña pueda resultar acogedora y transmitir una sensación de confort.
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Los toldos negros de la fachada protegen del exceso de luz y del sol en determinados momentos del día. Desplegadas, forman una envolvente en el exterior que, una vez más, refuerza el contraste con lo que ocurre en el interior de la galería. Para el espacio que sirve de escaparate, las diseñadoras —Vilalta y Anna Kazachkova— han reproducido uno de los muebles de la galería “Art of this Century” que Peggy Guggenheim tenía en Nueva York. Los asientos Eames (fabricados por Vitra) se tapizaron en negro. Y son, con el techo, el único lugar oscuro del interior.
Para colgar las obras, los diseñadores recurrieron a una brasileña de adopción: Lina Bo Bardi y su forma de colgar las obras del techo —en lugar de colgarlas de la pared—.
“Nuestra misión es investigar cómo las nociones históricas de lo femenino influyen en la cultura contemporánea”, explicó Araujo. Por eso, la obra de sus artistas: la escocesa Alison Watt, la japonesa Sayako Sugawara, la italiana Francesca Longhini, la estadounidense Erica Mahinay, o la británica Olivia Kemp -con cuyos dibujos a bolígrafo basados en los grandes maestros del Museo del Prado- inauguró la galería—, propone miradas renovadas sobre la división tradicional entre géneros y, por tanto, sobre la idea vanguardista: el objetivo es debatir sobre la intervención femenina en el pasado para construir el futuro. Y el encuadre, elegante y drástico, es binario (en blanco y negro) pero rico en matices.